„Entgegen all den Gerüchten, die im Umlauf sind, kann man sagen, dass das Off 2008 ein großer Erfolg ist.“ Lautes Lachen, einige Buhrufe – die Bilanz-Pressekonferenz des Off-Veranstalters Avignon Festival & Compagnies hat begonnen. Viele der Anwesenden in dem überfüllten Innenhof des Hôtel de la Monnaie sind absolut nicht einverstanden mit den Eingangsworten von AFC-Präsident André Benedetto. Zwei Stunden lang wird heftig, manchmal giftig diskutiert. Schädlich sei die zeitliche Verschiebung zum In gewesen, der finanzielle Verlust sei für viele Truppen ganz schwer zu verkraften, AFC solle zu seinen Fehlern stehen. Die auf dem Podium platzierte Vereinsspitze erklärt, weist zurück, rechtfertigt sich.

Am Ende beschließt Benedetto die Veranstaltung mit einem Paukenschlag: Er werde als Präsident der Vereinigung der Theater von Avignon zurücktreten. Zu unpassend fand er wohl die Angriffe des Direktors des Theaters Chêne Noir, Gérard Gélas, auf den AFC – von dem Gélas übrigens selbst Mitglied ist. Präsident des AFC will Benedetto dagegen bleiben.

Außer dem Streit werden auch Zahlen geliefert, und zumindest diese geben Benedetto Recht, wenn man den Erfolg eines Festivals an seinem Wachstum ablesen möchte: 957 Stücke gegenüber 756 im Vorjahr, 818 Kompanien (2007: 756). 28802 Festival-Pässe, die einen reduzierten Eintrittspreis ermöglichen, wurden bis zum 31. Juli verkauft (2007: 27484). Wie viele Zuschauer die Aufführungen sahen, kann noch nicht gesagt werden. Hierfür müssen die Einzelbilanzen der einzelnen Theater abgewartet werden. Als Gerücht läuft in Off-Kreisen die Einschätzung, dass hier Einbußen verkraftet werden müssen.

„Ein letztes Mal!“ Zufällig laufe ich Mathieu und seinen Mitstreitern der Truppe L’art dans tous ses états über den Weg. Sie stehen vor dem Pittchoun Theater, es ist kurz nach 11 Uhr. Yoan hat seine Gitarre umhängen, Marie ihre gute Laune wieder dabei, Cédric sitzt noch ein wenig mutlos auf ein paar Stufen, Mathieu selbst trägt weiter tapfer das Werbeplakat für sein Stück „Amers“ hoch. „Viele Truppen sind schon abgereist und haben einfach die Zelte nach den ersten schlechten Tagen der letzten Woche abgebrochen“, sagt der Jungschauspieler. Den großen Durchbruch kann er mir immer noch nicht vermelden. Kontakte zu Programmdirektoren ja, aber nichts Konkretes. Die Lokalpresse, sie ist nie gekommen.

„Jetzt müssen wir uns im September an die Telefone hängen, nachhaken bei den Leuten, die sich für uns interessiert haben“, sagt Mathieu mit seinem anscheinend nie versiegenden Lächeln auf dem Gesicht. Gestern hätten sie Kumpels und Festival-Freunde zu ihrer Aufführung eingeladen, das Theater sei voll gewesen. Und heute? Achselzucken. Und dann geht es ein letztes Mal los durch die Straßen, ein kleiner Werbe-Umzug mit ihrem Lied, Vorstellung um fünf nach zwölf, und eine Stunde später: Schluss. Sachen packen, zurück nach Paris. Hoffen, nachhaken, und weiterarbeiten an anderen Projekten. Die Theaterleidenschaft als Antriebskraft für eine unbekannte Zukunft. „Je prends le large, large, large / Et puis je rame, rame rame / …“ (Ich fahre raus, raus, raus / Und ruder, ruder, ruder). Der Refrain tönt ein letztes Mal an meine Ohren.

Als Abschlussstücke meines persönlichen Off habe ich mir die beiden Taiwanesen aufgehoben, die ich an meinem Taiwan-Tag aufgrund der Parallel-Vorführungen nicht habe sehen können. Die Flyer-Verteiler auf dem Weg zum Théâtre Le Funambule sind deutlich weniger geworden – klar: Jetzt Werbung zu machen lohnt sich nur noch für Stücke am Nachmittag und Abend.

L’adieu de l’ombre (Der Abschied des Schattens), von Chiao Chung, Assignement Theatre, Taipeh.

Irgendwie passt die Beschreibung im Off-Katalog lediglich in Bruchteilen zu dem, was ich auf der Bühne sehe. Ob die Vorführung nur die auf 75 Minuten, für Avignon reduzierte Fassung eines längeren Stücks ist? Zwei Musiker sitzen am Bühnenrand, eine alte, gebückte Frau (sehr glaubhaft gespielt von einer jungen Schauspielerin), tappelt langsam und zitternd in den Saal, schaut einzelne Zuschauer in der ersten, zweiten Reihe an, reicht ihnen langsam die Hand, schaut ihnen eindringlich, flehend in die Augen. Verzweiflung pur in Gestik gepackt. Ein starker Auftakt zu einer Vorführung, in dem sich solche intimen, ergreifenden Momente mit dynamischem Tanz zu mitreißender Musik abwechseln. Bewegungstheater mit Sprechpassagen, Lieder mit Stille. Ein heterogener Mix in traditionellen Gewändern.

Erzählt wird die Geschichte der irrenden Seele von Liu Chin. In einem Erdbeben 2008 soll sie ihr Leben verloren haben. Ihre Seele trifft auf Schamanen, die sie mit Ausschnitten aus ihrem Leben konfrontieren. Bis zu ihrer Geburt im Jahr 1950 führt diese Reise. Liu Chin hat die Möglichkeit, Etappen ihres Lebens zu verstehen, ihren Frieden zu machen mit dem Tod ihrer Mutter, dem politischen Schicksal ihres Vaters, der sie zur Waisen werden ließ. Versöhnt mit der Vergangenheit kann ihre Seele zur Ruhe gelangen.

Emotional packendes Theater aus Fernost zeigen die fünf Schauspieler auf der Bühne. Zwischendurch entstehen ganz großartige, zauberhafte Momente. In der Szene, wo die Zuschauer Blumen auf die Bühne stellen sollen, die ihnen beim Kauf der Karte ausgehändigt wurden, wird es jedoch unnötiger Weise kitschig. Die Motivation zu dieser Teilnahme ist aus der Luft gegriffen, wird nicht vorbereitet, bleibt eine einzelne Handlung. Auch ohne diese Geste versteht man, dass die Aussage des Stücks uns alle betrifft.

Rührende Szenen dann am Ende, als die Vorführung, als Avignon 2008 für die Truppe zu Ende ist. Langer, ganz lang anhaltender Applaus von den vielleicht 40 Zuschauern, vor allem gestützt von dem guten Dutzend Taiwanesen, die im oberen Teil der Zuschauerränge mit Bravo-Rufen noch eins draufsetzen. Einer der Schauspieler macht die zwei, drei Schritte auf die ersten Zuschauer zu, reicht ihnen die Hand, strahlt über das ganze Gesicht. „Merci! Merci!“ Als der Beifall endlich verstummt, fallen sich die Schauspieler selbst in die Arme. Lachende Gesichter, von Anspannung befreite Körper.

Ein letzter Nachmittagsspaziergang durch die Festivalstraßen. Gewöhnliche Samstagsbummler und Sommerurlauber mischen sich unter die Festivalbesucher. Das langsam auslaufende Festival lässt Melancholie aufkommen.

Um kurz nach 18 Uhr sehe ich mir im Programm-Kino Utopia den Film „Le bruit des gens autour“ (Der Lärm der anderen Leute) an. Er spielt während des Festivals von Avignon, wurde im vergangenen September hier gedreht. Für einen Drehabend konnte ich eine Statistenrolle erwerben – und tatsächlich entdecke ich mich tanzend auf der Leinwand. Ansonsten enttäuscht der Film eher. Auch bei den Bewohnern von Avignon, die doch immerhin ihre Stadt und ihre Festival im Kino gezeigt bekommen, scheint der Streifen kein Renner geworden zu sein. Der Zuschauerzuspruch gleicht dem eines schlecht laufenden Off-Stücks.

Und dann noch einmal in die kleine Gasse zu den Taiwanesen. Die Dame an der Kasse erkennt mich wieder, freut sich, bietet meiner Gastgeberin Océane, die ich zu dieser Vorstellung einlade, von sich aus einen Künstlertarif an.

Riz Flambé (Flambierter Reis), von Craig Quintero, Riverbed Theatre, Taipeh.

Es ist das Stück mit dem schönen Plakat, und in eine schöne, zauberhafte Welt entführen die fünf Schauspielerinnen tatsächlich den Besucher. Aber eine zauberhafte Welt, die verschlüsselt bleibt. Unverständlich. Surrealistisch, wie es der kurze Pressetext nennt. Nur in Zeitlupentempo bewegen sich die Frauen auf der Bühne. Die ganze Vorführung basiert auf dieser Langsamkeit der Gesten. Die Bewegungen und Szenen werden dadurch bedeutungsschwanger, ohne dass sie sich eindeutig entschlüsseln ließen.

Eine Frau in einem gelben Kleid betritt die Bühne, geht auf die als Tisch dienende Holzkiste zu, setzt sich auf den halb zerfallenen Holzstuhl. Aus der Papiertüte zieht sie einzelne Blätter, auf deren Rückseite, für den Zuschauer gut lesbar, steht: „Erinnerst du dich an alles?“ Dann stülpt sich die Frau die Tüte über den Kopf, eine andere Frau betritt die Bühne, stellt sich hinter die sitzende Frau, pult ihren Finger von oben in die Tüte, in die Fontanelle der Sitzenden, und zieht die Finger wieder hinaus. Sie sind jetzt mit blauer Farbe beschmiert.

Und so rätselhaft geht es weiter. Eine zusammenhängende Geschichte ist höchstens zu erahnen. Ein großer Vogel erscheint ebenso auf der Bühne wie ein Chor singender Frauen, das große Mond- oder Sonnengesicht, das auf dem Plakat zu sehen ist. Frauen holen Vögel aus ihren Mündern, verschlucken sie wieder. Am Ende sind Stuhl und Holzkiste verschwunden, es bleibt eine bemalte Holzplatte auf dem Boden zurück, die den blauen Himmel mit weißen Wolken zeigt. Eine stille, sonderbare, durch die häufig eingespielte langsame Klaviermusik ein wenig melancholisch schwere Stimmung liegt über dem Stück, die auch beim Applaus nicht den Freudentänzen wie am Nachmittag Platz macht. Ernst und sichtlich noch in ihren Rollen befangen, verbeugen sich die Darstellerinnen.

Auf dem Weg nach Hause bin ich fast dabei, Océane eine Wette vorzuschlagen: Wenn wir jetzt noch einen Flyer-Verteiler treffen… Ich mache es nicht, denke, dass um 23 Uhr wohl keiner mehr für sein Stück werben wird. Und irre mich. Kurz vor dem Eingangstor zu Océanes Wohnung wollen uns doch tatsächlich noch zwei Unbeugsame für ihre Vorstellung um 23.30 Uhr als Gäste gewinnen. „Freier Eintritt“, versuchen sie es als letztes Mittel. Wir lehnen dankend ab.

Langsam geht das Festival zu Ende. Ich schaue auf die Liste der Themen, die ich noch bearbeiten wollte: Gespräch mit einem Theaterdirektor über die Kosten des Festivals. Teilnahme an den Plateaux ouverts im Espace Alya, wo dort spielende Truppen mit dem Publikum über ihr Theaterschaffen sprechen. Nachtleben des Festivals… Gerade letzteres habe ich stark vernachlässigt zugunsten des frühen Aufstehens an den Vormittagen. Im Off Programm sind die Party-Nächte aufgeführt, die jeden Abend ab 22.30 Uhr auf einem Boot am Rhôneufer stattfinden. Aber auch in anderen Kneipen oder Clubs wäre es sicher interessant gewesen. Allein von der Bar neben meiner Unterkunft in der Gerberstraße tönen jede Nacht bis zwei, drei Uhr morgens laute Stimmen ins Zimmer. Obwohl das Fenster in den Hinterhof führt.

Auf der Ebene der Stücke: die Musiker aus der Schweiz im Palais Royal, die klassische Musik vortragen – gut, ich war bei den Weinvertretern der Côtes du Rhône. Ist irgendwo ähnlich. Clown Buffo. Ah, Buffo! Vor eineinhalb Jahren bin ich einmal abends mit drei Nachwuchsclowns von Brüssel kilometerweit in die belgische Pampa gefahren, um den großen amerikanischen Clown in einer kühlen Novembernacht in einem windigen Zelt verloren im Nichts zu sehen. Und jetzt, wo er nur wenige hundert Meter entfernt jeden Tag auftritt... Das Stück mit dem Hakenkreuz auf dem Plakat – nicht schlimm. Komödien im Paris. Ja. Stimmt. Ein großer Renner des Festivals. Nicht mein Ding. Aber gut. Heute Abend also?

Und die Déjeunettes. Sie hatte ich ja angekündigt. Vergangenes Jahr waren diese Mini-Brote gleichsam zur typischen Festivalnahrung geworden. Kein Tag verging, an dem ich nicht eine dieser Stangen gegessen habe. Die Bäckerei Olivero an der Place des Corps Saints, unweit von Ginette & Marcel, wo ich oft meinen Morgenkaffee geschlürft habe, stellt diese Déjeunettes her. Ins Deutsche übersetzt heißen sie „Frühstückchen“, sind Brote aus einem hervorragend leckeren Teig mit unterschiedlichen Geschmacksrichtungen: schwarze Oliven, Nüsse, Chorizo, Speck, Schafskäse, Feigen. Doch dieses Jahr gab es keine Wiederholung. Irgendwie… Der Teig war auch anders, lockerer. Es war nicht mehr das besondere. Vier, glaube ich, habe ich verzehrt.

Was ist noch nicht realisiert? Das okzitanische Kulturfestival in Rodez habe ich dem Off geopfert, meinen Schulfreund Arne in Marseille nicht besucht, die Reisebereichte nicht geschrieben, um die mich ein Kunde in Deutschland unverbindlich gebeten hatte. Alles auf einmal geht wohl nicht, und deshalb ziehe ich am Mittag die Notbremse, hetze nicht um 13 Uhr ins Taiwanesische Stück, das ich noch sehen möchte, sondern entscheide mich für die Siesta. Der lange Musset-Abend gestern hat doch Spuren hinterlassen.

Ausgeruht also kann ich die nächste Festivalerfahrung angehen:

Antigone nach Henry Bauchau, Faim Rouge, Avignon.

Die Darsteller sind schon auf der Bühne, als die Zuschauer den kleinen Raum, der eigentlich kein Theatersaal ist, betreten. Zwei Frauen, ein Mann im Hintergrund, Matteo de Bellis, der mit seiner Musik zwischendurch das Stück begleitet. Lediglich zwei schwarze Sitzblöcke an der linken und rechten vorderen Seite der Bühne. Auf dem linken hat Pauline Hornez Platz genommen. Abwechselnd wird sie die Rollen von Clios und Ismène, Polynice, Créon und Bauchau selbst einnehmen, mit Antigone sprechen, das Geschehen aus der Schriftstellerperspektive kommentieren. Letzteres jedoch nur selten.

In der Mitte der Bühne Antigone, die in ihrer ersten Handlung einen ersten, großen Kreis um sich selbst auf den Boden zeichnet. Weitere, immer engere Kreise folgen. Jeweils aus einem anderen Element: Kreide, Wasser, Lehm. Der Handlungssielraum für die Protagonistin schrumpft, sie selbst schränkt ihre Möglichkeiten ein aufgrund ihrer unbeugsamen Haltung gegenüber ihrer Außenwelt. Sie weiß das, spürt das, lässt sich dadurch nicht ändern. Hoffnung als letztes Wort des Stücks.

Es ist diese letzte Szene, die sehr beeindruckend ist. Laure Vallès als aufrecht stehende Antigone im innersten, gerade ihre Füße umspannenden Kreis, in ihrem roten Kleid, nach extatischen Tänzen, Diskussionen mit ihren Angehörigen, ihrem Schweigen. Der Scheinwerfer konzentriert sich mehr und mehr nur noch auf ihr Gesicht, dimmert nach dem letzten Wort langsam aus, hinterlässt eine schemenhafte Maske im einsetzenden Dunkel.

Ich kann mit dem Theaterstoff Antigone in all seinen Varianten grundsätzlich wenig anfangen. Daran mag es liegen, dass ich nie wirklich in die Aufführung hineinfinde. Text mit vielen Andeutungen auf Handlungen, die Voraussetzungen für das Stück sind. Viel Mythologie. Der Gegenwartsbezug, ich kann ihn nur manchmal über einige Sätze heraushören. Meine Gastgeberin Océane, die mich begleitet hat, war dagegen sehr angetan vom Stück, vom Spiel, von der Inszenierung. Nicht nur von der Schlussszene.

Nach dem Abendessen suche ich nach einem der lustigen Stücke, das ich mir heute Abend antun möchte. Océane sitzt am Tisch, liest mir eins nach dem anderen vor: Die Schöne, die Blonde, die Schlampe!! Chronik eines normalen Homo. Jules liebt seinen Nächsten. Oder doch: New 752, der waschechte Hund unter den Menschen? Die Auswahl fällt nicht leicht. Soll ich nicht lieber doch ein sinnvolles Stück anschauen? Um 22.30 Uhr läuft Gauche Uppercut im Théâtre des Corps Saints, wo ich auch noch nicht war.

Aber nein. Das Off ist eben auch diese seichte Unterhaltung. Also rein in die Sandalen, raus auf die Straße, ab zum Paris. Dort stehe ich zunächst in der falschen Schlange, die bis auf die Straße hinausreicht. Nach ein paar Minuten erkenne ich, dass ich für ein Ticket für „Je länger es ist, je besser…“ anstehe. Aber ich will doch „Eine verrückte Homo-Hochzeit!“ sehen. Dafür muss ich an der Schlange vorbei ins Paris hinein, das wohl ein ehemaliges Kino ist. „Oh, dann sind wir heute ja ganz international“, sagt die beleibte, fröhliche Dame hinter der Kasse, als sie meinen Presseausweis sieht. Fotos mit Blitz – kein Problem. „Aber nicht zu viele, ja?“

Das Publikum, das mit mir auf den Einlass wartet, ist in lockerer Urlaubsstimmung. Neben mir unterhalten sich die jungen Leute über den besten Zeitpunkt für das Abendessen – Mc Donald’s ist immer eine gute Lösung, wenn es mal eng werden sollte. Im Saal bestehen die Sitzreichen aus mit Stoff bezogenen Bierbänken, die Bühne ist schon hergerichtet, aber wir müssen noch warten, bis es anfängt.

Als Zeitvertreib steht plötzlich die Dame von der Kasse auf der Bühne, bestimmt einen Freiwilligen aus dem Publikum, nach vorne zu kommen. Der junge Mann soll eine zweite Freiwillige aus dem Saal auf die Bühne bitten. Drei Perücken erscheinen, gelb, grün, rot. Rauf auf die Köpfe. Dazu überdimensionale Brillen, die die halben Gesichter bedecken. Auf Kommando geht’s los: „DJ Patrick, Musik bitte!“ Disco-Mucke dröhnt basslastig in den Raum, Hüften werden auf der Bühne geschwunden, die Hintern betatscht. Das Publikum klatscht begeistert mit, riesiger Applaus beim Abgang. „So, sind wir jetzt so weit?“, fragt die Dame hinter die Bühne. Ja, sind sie. Also dann:

Un mariage follement gai! (Eine verrückte Homo-Hochzeit!), von Thierry Dgim, Tronches d’api, Tarascon (F).

Marcy und Sébastien leben in einer WG zusammen. Marcy ist 38 Jahre alt, Jungfrau, lesbisch und verklemmt. Sébastien seinerseits ist homosexuell, liebt die Musik von Madonna und ist viel lockerer drauf als seine Mitbewohnerin. Diese hat sich auf ihrer Arbeit in Anne-Lize verliebt – und irgendwie schafft sie es, ihre neue Flamme als Mitbewohnerin in die WG zu bekommen. Welch ein Schreck für Sébastien, der in Anne-Lize genau die Frau erkennen muss, mit der er als Jugendlicher seine erste sexuelle Erfahrung gemacht hat. Ohne die Romantik, mit der Anne-Lize auf diese Zeit zurückblickt, zu teilen.

Ein Café-Théâtre soll das ganze sein und füllt das Genre dann auch gut aus. Ein Gag jagt den anderen, Ernst ist bitte nicht zu erwarten. Das Publikum ist schnell erobert, witzige Wortspiele und Klischees folgen manchmal so schnell aufeinander, dass einige Damen mittleren Alters Schwierigkeiten beim Luftholen bekommen. Zwischendurch wechselt das Licht auf der Bühne, stellen sich die drei Schauspieler in Formation auf, führen eine Disco-Choreographie vor. Pop-Musik auch bei den Blacks zwischen den Szenen.

Lustige, oberflächliche Unterhaltung ohne die geringste Botschaft am Ende. Außer der Selbsterkenntnis, dass man eine Stunde lang viel gelacht hat und es lustig fand, sich von einer neuen Kombination von immer wirksamem Slapsticks die Zeit hat vertreiben zu lassen.

Welch ein Unterschied zum übrigen Festival! Aber was ist schon d a s Off? So viele Facette bietet es. Einige Zuschauer sehen nur solche Stücke, wie ich mir gerade eins angetan habe. Andere lieben anspruchsvollere Komödien, Tragödien, Clowns, Zirkus, Musik-Theater…

Langsam schlendre ich durch das nächtliche Avignon zurück in die Gerberstraße. Die Plakate zeigen schon deutliche Spuren der drei vergangenen Festivalwochen, ein Mann tackert neue Flyer an einige Kartons. Noch zwei Tage, dann ist alles vorbei.

Taiwan ist mit fünf Truppen beim Festival vertreten – und ähnlich wie mit Japan nehme ich mir für heute eine Entdeckungsreise in diese für mich fremde Theaterkultur vor. Beim Blick in den Festival-Katalog stoße ich jedoch auf eine nicht unerhebliche Schwierigkeit: Alle fünf Stücke interessieren mich. Aber um die Mittagszeit und abends gegen 22 Uhr finden jeweils zwei Aufführungen fast parallel statt. Alle fünf an einem Tag sind also nicht drin. Schweren Herzens treffe ich eine Auswahl zugunsten der verschiedenen Stile. Der Mix aus Clown, Theater und Tanztheater ist vom Papier her breiter als drei Theaterstücke. Obwohl… Aber gut, ich bleibe bei der Auswahl, vertröste mich auf die verbleibenden Festival-Tage, um mir dann vielleicht das Stück über eine Journalistin, die sich angeblich in einem Fluss der Erinnerung verlieren wird, und den „Flambierten Reis“, dessen hübsches Plakat einfach schon neugierig auf die Aufführung macht, anzuschauen.

Bei drückend-schwüler Hochsommerhitze begebe ich mich also gegen kurz nach 12 Uhr in das Viertel zwischen Place de l’Horloge und der berühmten Brücke von Avignon. Von der den Verlauf der ehemaligen, hochmittelalterlichen Stadtmauer nachzeichnenden Rue Joseph Vernet biege ich links in einen Toreingang ab, der zu einer schmalen Gasse führt, der Rue Plaisance. Über Kopfhöhe hängen dort bunte, wohl tibetische Gebetsfähnchen, fernöstliche Atmosphäre empfängt den Besucher.

Es ist das zweite Mal nach 2007, dass der Taiwanesische Nationalrat für kulturelle Angelegenheiten Kompanien bei ihrem Auftritt in Avignon unterstützt. Dieses Jahr sind alle fünf Truppen in dem Théâtre Le Funambule unweit der Stadtmauern konzentriert. Sehr freundlich ist die Begrüßung der Taiwanesen an der Kasse, mit Französisch oder Englisch ist eine Verständigung möglich.

Dîner pour un Couvert (Abendessen für eine Person), Eigenkreation von Ma Chao-Chi, Théâtre de la Sardine, Taipeh.

Einen sympathischen Clown lernt der Zuschauer in der knappen Stunde dieses Spektakels kennen. Ein weiblicher Clown wohlgemerkt, vielleicht um die 30 Jahre alt. Voll bepackt mit Einkaufstaschen bahnt sie sich ihren Weg durch die nur sehr spärlich besetzten Zuschauerreichen, um ihr Zuhause auf der Bühne zu erreichen. Dort durchlebt sie ihren Abend, ihre Nacht, und verlässt erst wieder am Morgen das helle Scheinwerferlicht, als irgendeine Beschäftigung sie außer Hause verlangt.

Ma Chao-Chi entwickelt schnell einen reizvollen Charme, ohne jedoch mit ihrem Spiel zum lauten Lachen zu verführen. Sie stellt das Leben einer Single-Frau zu Beginn des 21. Jahrhunderts vor, die sich gerne sieben Mal ihr Lieblingsfertiggericht im Supermarkt kauft, von einer Karriere als berühmte Schauspielerin, einer Reise in die Südsee, der großen Liebe träumt. Es sich im Sessel vor dem Fernseher bequem macht, sich bei den kurzzeitig aufflackernden Sorgen um ihre Linie ein paar Minuten den elektronischen Massagegürtel umschnallt, um bald darauf wieder genüsslich Chips zu verzehren. Ihre gute Laune verliert sie dabei nie wirklich, und wahrscheinlich ist es das, was sie eben so sympathisch macht.

Einmal singt sie ein Lied, bleibt aber sonst stumm, überlässt Gestik und Mimik die Aufgabe, alles zu sagen, was sie mitzuteilen hat. Keyboard- und Saxophon begleiten zwischendurch musikalisch die Szenen.

Beim Hinausgehen habe ich ein wenig Mitleid mit der Darstellerin. Denn mir hat es tatsächlich gut gefallen, ich fand es angenehm, ihr zuzuschauen. Allerdings hat sie das Publikum nicht zum Lachen gebracht. Nicht so, dass sie es auf der Bühne gehört hätte. Und misst ein Clown den Erfolg seiner Darbietung nicht gerade an den Lachern, den er erzeugt? Ich weiß es nicht, kenne zu wenige Clown-Vorführungen, weil mich das Genre grundsätzlich nicht sehr reizt. Und da ist es schon ein gutes Zeichen, wenn ich mich gut unterhalten gefühlt habe.

Bis zur nächsten Vorführung bleibt die Zeit für ein Baguette mit Olivenöl und Tomaten, ein Stündchen Mittagsruhe in der Gerberstraße, dann mache ich mich wieder auf den Weg einmal quer durch das Herz der Innenstadt zur Taiwanesischen Kulturinsel im Funambule.

Bardo Todel, von Li-Tsuei Sun, Shang Orientheatre, Taipeh.

Ein langsames und meist ruhiges Stück ist die Eigenkreation der 2000 gegründeten Truppe aus Taiwan, die bereits zum vierten Mal am Off teilnimmt. Der tibetanische Buddhismus steht Pate bei Inhalt und Form, lehrt die Presse-Mappe. „Das Totenbuch der Tibeter eröffnet eine hervorragende Möglichkeit, sich Gedanken über die Verwandlung zu machen.“ Eingeladen wird zu einer Reise in acht Etappen. Von dem Besuch der Gräber über verschiedene Stadien des Abschiednehmens vom eigenen Leben bis hin zur Wiedergeburt und dem Abschluss des Zyklus von Leben und Tod.

Eine einzige Schauspielerin, die Kompanie-Gründerin Li-Tsuei Su selbst, setzt auf der Bühne diese Reise in Bewegungen und Bilder um. Sie bleibt dabei meist stumm, singt nur selten getragen langsame Strophen von wahrscheinlich zeremoniellen Liedern. Zwei Musiker, die am Rande der Bühne Platz nehmen, begleiten sie mit Instrumenten aus der asiatischen Kultur. Oft eintöniges Schlagen, Zupfen, dumpfes Blasen.

Das ganze ist für westliche Augen eine Entdeckungsreise mit Masken, Puppen, verschiedenen Gewändern, wenig Licht. Eine Entdeckungsreise ins Totenreich, die buddhistische Tradition, in das Theater einer anderen Kultur. Einiges wird man verstehen – das Häuten der Person, die Angst vor neuen Masken, die Verlockung, Gewänder anzunehmen, die einem nicht passen – anderes wird für den nicht Eingeweihten unverstanden bleiben.

Ein stilles, unaufgeregtes Stück mit bedeutungsvollem Inhalt, das seinen Zauber aber nicht auf einfache Weise entwickelt.

Ein drittes Mal mache ich mich am vorgerückten Abend auf den Weg einmal quer durch die Stadt. Bei matter Müdigkeit habe ich zwar wenig Lust, aber Programm ist Programm. Zehn Minuten später biege ich in die schmale Gasse des Théâtre Le Funambule. Viele Zuschauer erwarte ich um diese Uhrzeit – 22 Uhr – nicht. Einmal wegen der Zeit, aber auch wegen des Stücks und der Werbung dafür: Das Plakat für die von mir ausgewählte Tanzdarbietung ist schwarz-weiß gehalten, etwas kleiner als die anderen des Off und sieht so aus, als ob es durch den Kopierer erzeugt wurde. Dennoch sind wir vielleicht 15 Personen, die wir uns für das Stück mit dem befremdlichen Titel entschieden haben:

CH3CCI3, Eigenkreation von Sun Chuo-Tai, 8213 Physical Dance Theater, Taipeh.

Zeitgenössischer Tanz soll mit Theater verbunden werden – so lautet die Philosophie der jungen Truppe aus Taipei. Ihre Kreation CH3CCI3 basiert entfernt auf einem Klassiker des alten chinesischen Tanztheaters, dem „Shan Hai Jing“, wie in den Informationsblättern steht, die ich an der Kasse erhalte. Weiter wird erklärt, dass CH3CCI3 die chemische Formel für ein vom Mensch erzeugte, giftige Substanz sei. Die Absicht des Stücks sei es zu zeigen, wie moderne Lebensart und zwischenmenschliche Beziehungen miteinander funktionieren. Außerdem will es auf die Gefahren von umweltfeindlichen Substanzen als Zerstörer unserer Lebenswelt hinweisen.

Zu sehen ist dann ein Mix aus verschiedenen Theater- und Tanztraditionen. Moderne Avant-Garde Elektromusik, absurdes Theater, zeitgenössische Poesie. Beim Betreten des Saals steht auf der Bühne bereits eine dezent asiatisch gekleidete junge Frau, die jeden Gast mit einer tiefen Verbeugung empfängt. Erst als das Stück beginnt und die Frau weiter auf der Bühne bleibt, weiter mechanisch ihre Verbeugung und ihr breites, aufgesetztes Lächeln produziert, merkt man, dass sie schon Teil der Aufführung ist. Bald sind aus Verbeugung und Lächeln schnell aufeinander folgende Verrenkungen geworden. Ein wildes Kratzen am ganzen Körper, der durch innere oder äußere Schläge malträtiert zu werden scheint, ausgenutzt, wehrlos. Andeutung sexueller Handlungen. Um am Ende wieder in die anfängliche Begrüßungsposition zu gelangen. Höfliche Verbeugung, freundliches Lächeln.

Die Grundausrichtung des Stücks ist dagegen langsamer. Auf den atemberaubenden Beginn folgen viele ruhige Szenen der drei weiblichen und des einen männlichen Tänzers. Im Hintergrund taucht ab und zu ein Glaskugel-Künstler auf, der das durchsichtige Objekt bedeutungsvoll auf seinen Händen und Armen balanciert. Szenen einer Ehe, ein Gedicht im Regen, das Gießen einer Pflanze. Eine Hand im Fischbecken, dessen Wasser sich am Ende der Szene rot färbt… Auszüge einer Aufführung, die am Ende wieder erneut diese wilden Zuckungen erzeugt, diesmal mit allen vier Tänzern auf der Bühne, die viel von dem Chaos ausdrücken, das sich der Mensch mit dem Leben in der von ihm geschaffenen modernen Welt selbst erzeugt. Körperliche, vor allem seelische Zerrissenheit.

Überraschend stelle ich auf dem Weg in die Gerberstraße fest, dass mich die Aufführung mehr beschäftigt, als ich während des Stücks den Eindruck hatte. Und so schreite ich eher wie ein Fremdkörper durch die in das warme orangefarbige Licht der Straßenbeleuchtung getauchte Innenstadt, die gegen 23 Uhr noch sehr belebt ist. Wo Musik ertönt, die Eisdielen immer noch guten Absatz haben, die Leute in sommerlicher Festival- oder Ferien-Flanierlaune zu sein scheinen.

Erstaunlich leer sind heute Morgen die Straßen von Avignon. „Das In ist zu Ende, das wird eine harte Woche für uns werden“, sagt Schauspieler Guillaume Videlier vom Théâtre de la Tortue. Wir laufen uns zufällig in der Fußgängerzone über den Weg, bleiben einen Moment stehen. Wie es für seine Truppe laufe? „Für die Truppe ganz gut, für mein Stück nicht unbedingt“, sagt er. Le Rôdeur leide immer noch unter dem ausbleibenden Publikum. Wie er damit umgehe, möchte ich wissen. Er zuckt die Schultern. „Ich würde mir das natürlich anders wünschen, aber demotivieren lasse ich mich davon auf jeden Fall nicht“, sagt er. Man sei ja in Avignon, um das Abenteuer hier zu genießen. Und immerhin ein Programmdirektor habe bereits verstärktes Interesse an dem Stück gezeigt. Dass sei besser als nichts. Sagt er und strahlt dabei über das ganze Gesicht. Kaum zu glauben, dass er gegen 20 Uhr erneut in seine so düstere Rolle schlüpfen wird.

Auf meinem persönlichen Festival-Programm steht heute ein Besuch in Avignons Nachbarstadt Villeneuve lez Avignon, die auf der anderen Seite der Rhône liegt. Auch dort findet ein Teil des Off-Festivals statt. Bereits am 21. Juli ist Villeneuve en Scène zu Ende gegangen. Es versammelt Zirkustruppen und herumziehende Kompanien im Rahmen des Off. Aber es gibt auch einen Theatersaal, Le Garage, in dem bis heute eine Handvoll Off-Stücke programmiert sind.

Auf den Clown am Vormittag verzichte ich, weil zwischen ihm und der nachfolgenden Vorführung gute sechs Stunden liegen und der Fußweg nach Villeneuve schon seine 45 Minuten benötigt. Also geht es erst in der Nachmittagshitze hinüber ins Département Gard. Lautes Grillenzirpen und die heiße Sonne auf meinem lichten Schädel lassen den provenzalischen Hochsommer sinnlich spürbar werden. Um 17 Uhr liegt Villeneuve dann auch noch im Endstadium der Siesta. Die Kirmes kurz vor der Stadtmitte ist noch unbelebt, das kleine Theater in der schmalen Hauptstraße Rue de la République noch verschlossen. Menschen sind fast nur auf den Terrassen der Straßencafés beim Rathaus und auf dem unweit entfernt liegenden Hauptplatz der Ortschaft zu finden. Dort lasse ich mich nieder, bestelle einen Kaffee, schreibe einen Plan für die letzte Festival-Woche.

Kurz vor 18 Uhr ist das Theater dann geöffnet, aber die Kasse noch unbesetzt. Irgendwann fällt es jemandem auf, dass ich dort stehe, ein älterer Herr nähert sich mir. „Karten brauchen Sie nicht“, sagt er mir. Die beiden Schauspieler der Truppe hätten sich entschlossen, keinen Eintritt zu nehmen. Stattdessen stehe am Ende der Vorstellung ein Hut am Ausgang. Für das Stück um 20 Uhr könnte ich erst ab 19.45 Uhr Karten kaufen.

Ich spreche ihn auf einen Text an, der an verschiedenen Stellen des Theaters aushängt. Es ist eine Art Todesanzeige. Für den 30. Juli um 19 Uhr bittet die Theaterleitung die Freunde der Spielstätte zu einer Abschiedszeremonie. „Der neue Vermieter hat die finanziellen Konditionen so hoch angesetzt – 2400 Euro Miete während des Festivals, 1800 während des übrigen Jahres –, dass wir uns zur Aufgabe gezwungen sehen“, erzählt der alte Herr. Das drohende Aus vor Augen habe das Theater zwar alles Mögliche zur Rettung versucht. Die Wände neu gestrichen, in eine moderne Lichtanlage investiert. Auch der Bürgermeister von Villeneuve sei bereit gewesen für eine Sonderunterstützung. Doch das habe alles nicht gereicht.

Weh tue das, sagt der Alte. Er selbst habe beim Aufbau der Garage mitgewirkt. Es sei ein Ort des lokalen Kulturlebens. Eine Truppe aus Villeneuve selbst spiele hier regelmäßig, jeden Freitag und Samstag gebe es immer irgendeine Veranstaltung. Workshops ebenfalls. Nach 13 Jahren so ein Ende…

Durchaus neugierig gehe ich dann in die Aufführung von

Le Saint Valentin (Der Sankt Valentins Tag) von Franck Didier, gespielt von Les Incongrus, Jonquières (F).

Ein einfacher Theatersaal empfängt mich, dessen Sitze bei jeder Bewegung quietschen. Vielleicht 30 Personen schauen sich mit mir die letzte Aufführung des Stückes an. Am Valentinstag glänzt Stéphane bei der Ankunft seiner Freundin Lidy durch Abwesenheit. Immerhin hat er ihr zwei Rosen in eine Vase gestellt, ihr einen Brief geschrieben, der auf eine Videokassette hinweist, die mehr verspricht.

Verschiedene Ebenen des Erzählens werden miteinander vermischt, der Text ist durchaus reizvoll. Im Vergleich zum übrigen Off fällt die Darstellung auf der Bühne jedoch deutlich in die Kategorie Laien-Theater. Sicherlich gutes Laien-Theater, weil es vom Ablauf einfach passt, die beiden Darsteller engagiert sind, das nach ihren Möglichkeiten vielleicht beste geben. Aber das reicht eben nicht dafür aus, um etwas Wahrhaftiges auf die Bühne zu zaubern – was Profis ja auch oft genug nicht schaffen.

Obwohl ich den Hut ziehe vor dem Engagement und der Rolle, die dieses Theater spielt – einem Tiel des Publikums scheint es auch gut gefallen zu haben – spare ich mir nach dieser Erfahrung die im Anschluss geplante zweite Aufführung in Villeneuve. Der Regisseur von Camus’ Caligula ist derselbe Michel Paume, der auch für Le Saint Valentin diese Rolle übernommen hat. Ich verspreche mir keine Änderung im Stil auf der Bühne. Zu Fuß starte ich meinen Rückweg über die Rhône.

Am Ende der Brücke wende ich mich in Richtung des Off-Festival-Markts, der zwischen Fluss und den Stadtmauern von Avignon liegt. Ab 19 Uhr sollen dort täglich die Off-Teilnehmer die Möglichkeit haben, in zehn, 15 Minuten-Beiträgen Werbung für ihre Stücke zu machen. Als ich an der Bar du Off eintreffe, ist die Bühne dort jedoch leer. Von den zahlreich aufgestellten Tischen sind gerade mal zwei belegt. Ich gehe in die Innenstadt zurück, wo weiterhin eine für einen Festival-Sonntag auffällig entspannte Atmosphäre herrscht. Alles wegen des beendeten In?

Der Tag gehört dem Zirkus. Kurz nach 9 Uhr mache ich mich auf den Weg auf die Ile de la Barthelasse, die kilometerlange Insel inmitten der Rhone zwischen den beiden Städten Avignon und Villeneuve-lez-Avignon. Auf dem dortigen Espace Vincent de Paul hat die Region Midi-Pyrénéens ihre Zirkuszelte aufgeschlagen, zeigt das Können der im französischen Südwesten beheimateten Truppen.

Auf dem Außengelände einer großen Sporthalle finde ich einen Campus vor, der den klassischen Vorstellungen des Zirkuslebens entspricht. Drei farblich unterschiedliche Vorführzelte stehen im Halbkreis um ein großes, offenes Zelt, unter dem Bar, Bistro und der Aufenthaltsbereich für Darsteller und Gäste eingerichtet sind. Dahinter schließt sich eine ganze Kolonie von Wohnwagen an, zwischen denen der Tag mit einem gemütlichen Frühstück um kurz vor 10 Uhr beginnt.

Die erste Vorführung fängt mit Verspätung an. Eine große Kindergruppe wird noch erwartet. 20 Minuten Verzögerung, die sich aber lohnen. Wie segensreich Kinder für Zirkusnummern sind, beweisen die Kleinen schon nach wenigen Sekunden. Es reicht, dass ein Clown von links hinter dem Vorhang erscheint, um rechts des Vorhangs wieder zu verschwinden, und schon erfüllt Gelächter das Zelt. Ganz zu schweigen von dem Erfolg, den der junge Clown damit hat, langsam auf die Kinder zu zugehen, anzuhalten, abzuwarten, um dann wieder einen Schritt zu machen. Die jungen Gäste lassen ihren Lachmuskeln freien Lauf. Auf meiner Tribüne mit vorwiegend erwachsenem Publikum dagegen: Schweigen.

Plateau Cirque, Kurze Zirkusnummern von Nachwuchsartisten.

Diese Veranstaltung gibt Nachwuchsartisten die Möglichkeit, während zehn, 15 Minuten eine Zirkusnummer zu präsentieren. Es geht also nicht um Perfektion, sondern darum, eine Visitenkarte des derzeitigen Könnens abzugeben. In der Hoffnung, das Publikum dennoch zu unterhalten und potenzielle Arbeitgeber – Zirkuskompanien oder Programmdirektoren – für sich zu gewinnen.

Tatsächlich merkt man den Darbietungen das Unfertige noch an. Vor allem im Vergleich zu den drei Vorführungen, die während des Tages noch kommen sollen. Es handelt sich um klassische Zirkuseinlagen, die sich in ein normales Programm mit abwechselnden Nummern ohne Probleme einreihen ließen. Ohne jedoch die erforderliche Perfektion zu bieten. Ein mittelmäßig lustiger Clown, eine gerade am Höhepunkt ihrer Nummer patzende Akrobatin, ein Jongleur, der mit sieben Bällen die Manege betritt, dann aber doch nur mit dreien ein wenig Zauber verbreitet, ein Akrobatenpaar, das durchaus mit seiner Nummer zu überzeugen weiß, und ein Keulen-Jongleur, dessen interessanter Einstieg dann kaum etwas mit seiner Nummer zu tun hat, füllen die rund 50 Minuten Programm.

Nachwuchsartisten vor dem Sprung ins Profi-Geschäft sind durchaus zu mehr fähig. Aber natürlich ist es gut, den jungen Leuten diese Plattform zu bieten. Sie sind auch kein offizieller Programmpunkt, sondern sollen als eine Art Werkstattbericht die Zirkus-Thematik auf dem Campus bereichern.  Der zahlende Zuschauer wird auch nur mit fünf Euro zur Kasse gebeten.

Von ganz anderem Kaliber dagegen ist mein nächster Programmpunkt:

Lames soeurs (Klingen Schwestern), von Yaëlle Antoine, La compagnie d’Elles, Toulouse.

Ist das Zirkus? Eher bei einer Theateraufführung mit akrobatischen Einlagen fühle ich mich in dem 2007 geschriebenen Stück, das auf einer wahren Begebenheit im Frankreich von 1932 beruht. Zwei Schwestern, Louise und Léa, sind Angestellte in dem Haushalt von Madame und Monsieur. Man glaubt zu verstehen, dass sie Töchter einer Prostituierten sind. Man erkennt, dass sie durch eine lesbisch-inzestuösen Liebe aneinander gebunden sind. Man versteht, dass am Tag, als diese Beziehung von Madame entdeckt wird, ein Unheil geschieht.

Ein beklemmend mitreißender Psycho-Thriller ist es, den die vier Darstellerinnen der Compagnie d’Elles in gut einer Stunde vor den Augen des Publikums entstehen lassen. Eine Erzählerin – Léa im Jahr 1960 – gibt durch ihren Bericht der Ereignisse vom Februar 1932 den Faden vor, an dem sich die drei anderen Schauspielerinnen entlang hangeln. Der Einfall, Louise als schizophrenes Mädchen in Doppelperson auftreten zu lassen, dazu noch gespielt von den Zwillingen Yaëlle und Sophia Antoine, ist ganz hervorragend gewählt, um die Ebene des Irrationalen darzustellen. Des Unerklärlichen. Des wohl entscheidenden Faktors, der die Morde hat möglich werden lassen.

Diese Ebene des Irrationalen wird im Spiel souverän und perfekt dosiert genutzt. Im Hintergrund balanciert Louise zwei auf einem Seil, verrenkt sich in hilfesuchenden Gesten, während Louise eins mit ihrer Schwester vordergründig ganz normal spricht. Das todbringende Messer kann in den Händen von Louise erscheinen, lange bevor der erste Mord vollbracht wird. Fährten werden gelegt, die zur Gräueltat führen. Ein ganz exzellentes Stück. Der lange Publikumsapplaus ist vollkommen gerechtfertigt.

Zum Mittagessen und der anschließenden Siesta begebe ich mich wieder auf das linke Rhoneufer. Geplant ist, auch den Rest des Tages hier zu bleiben. Doch im Espace Alya erfahre ich von Direktor Raymond Yana, dass das Internet-TV-Forum, das heute laut Festival-Katalog seine letzte öffentliche Aufnahme 2008 drehen sollte, schon vor mehreren Tagen beendet worden sei. Es ist kurz nach 16 Uhr. Früh genug, um wieder auf die Ile de la Barthelasse zu zwei weiteren Zirkusvorstellungen zu gehen.

Les jardins ordinaires (Die alltäglichen Gärten), Eigenkreation der Compagnie Vent d’Autan, Auch (F).

Ein Mann schiebt einen hölzernen Tisch auf die Bühne. Im Nacken trägt er einen niedrigen Holzhocker. Ein Seil hat er bei sich, ein Beret auf dem Kopf. Voilà die Zutaten, die für 55 Minuten Vorführung reichen. Was man mit akrobatischer Fertigkeit alles mit diesen Materialien anstellen kann, zeigt Rémy Balagué auf eindrucksvolle Weise.

Allerdings muss man ein Verständnis dafür mitbringen, was es heißt, einen ganz normalen Tisch auf einer Hand oder auf seinen Füßen zu balancieren. Handstand und alle möglichen Verrenkungen an der Tischkante zu machen. Den Tisch in der Schräglage zu halten und gleichzeitig so zu tun, als ob man auf ihm bergauf gehen würde. Es sieht so leicht aus, was auf der Bühne geschieht. Und bedarf doch unendlich viel Übung, Training und Kraft.

Trotzdem fühle ich mich nicht gut unterhalten. Der Funke von der Bühne springt nicht über. Zwar sind die Alltagsszenen hier und da zu erkennen, die der Pressetext verspricht – ein kleiner Junge in der Schule, eine Bergwanderung, ein Bettler in der Straße – aber die stumm gespielten Szenen ergreifen mich nicht. Einem Teil des Publikums scheint es ähnlich zu gehen. An den Reaktionen nach dem Stück merke ich aber auch, das die Empfänglichkeiten für diese Art der künstlerischen Darbietung durchaus unterschiedlich sind. Mehrere Zuschauer unterhalten sich noch mit Kompanie-Mitgliedern oder schreiben ihre Begeisterung in das Goldene Buch der Truppe. 

In sommerlicher Gartenatmosphäre verbringe ich die Zeit zwischen den beiden Aufführungen am Rande des großen offenen Zirkuszeltes, das als Bar und Aufenthaltsort genutzt wird. Ohne Bestellzwang lasse ich die Zeit verrinnen, um dann

Cirque sans noms, Eigenkreation des Cirque sans noms, Toulouse

anzuschauen. Die erste Vorstellung, die man in Deutschland mit dem Namen Zirkus in Verbindung bringen würde. Aber auch hier ist alles anders. Die Bühnenatmosphäre führt die Zuschauer in eine liebevoll eingerichtete Scheunen- oder Dachstuhl-Umgebung, die über Utensilien, Gewänder und Musik den nostalgischen Hauch der 50er-, 60er-Jahre versprüht. Die Scheinwerfer am Bühnenrand sind in großen Blechdosen versteckt. Oder wahlweise in einer Holzkiste. Hoch oben unter dem Zeltdach hängt ein Halbmond in der Horizontalen und scheint zu schlafen.

Meist stehen drei der vier Künstler auf der Bühne, verbreiten mit ihrem Auftritt schnell gute Laune. Clowneske Naivität in Gestik und Mimik paar sich mit akrobatischer und musikalischer Fertigkeit. Ständig nehmen sie sich selbst nicht ernst, ihr Genre, den Zirkus. Um dann doch plötzlich und fast wie nebenbei mit ihrem Können zu beeindrucken.

Entscheidend zum Gelingen des Gesamtkonzepts tragen die vielen Einfälle für Details bei, die das Spektakel zu einem Erlebnis machen. Hier einkomplettes Mini-Schlagzeug zum Umhängen, da ein Propeller auf der Kopfhaube. Wenn der Riese ohne Haupt mit einem Leierwagen seine Runde über die Bühne dreht, dann geht schon mal ein Rad verloren. Und schafft der Kumpel den Salto nicht, dann schafft es an seiner Stelle der kleine, aufziehbare Spielzeugstoffhund.

Nicht Glitzer und Glamour sorgen also bei dieser ohne Worte auskommenden Darbietung für die Show, sondern der stille und hintergründige Humor, mit dem die Künstler ihre Nummern spicken.

Lang anhaltender Applaus von den zahlreichen großen und kleinen Zuschauern am Ende ist der Lohn.

Auf dem Rückweg in die Papststadt treffe ich auf der Rhonebrücke Bruno vom Kafteur. Für den Straßburger Schauspieler neigt sich der Tag ebenfalls seinem Ende entgegen. Seine Truppe hat ein Haus auf der anderen Flussseite gemietet hat, gleich soll es Abendessen geben. Wir tauschen ein paar Belanglosigkeiten aus, dann gehen wir beide unseren jeweiligen Feierabenden entgegen.